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## Tour
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tour.name = AlfredoGonzalez_Art
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Button_C46760C2_E094_F917_41DF_2CC705AB1C5D.label = Solo Exhibitions
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### Multiline Text
HTMLText_000C8349_9858_046B_41AD_9F74F9F3F594.html = Contemporary reality has made us definitely people the move. It is not only the possibility of moving throughout the planet's geography, which is pow almost totally accesible, however remote the place may be, in no more than 48 hours. This was somewhat predictable, for we could at least see it coming since the long travels of the 18th century, especially the insatiable need of of mankind to explore natural resources in search of economic benefits, and also because of its exploratory and scientific curiosity. There are no impenetrable sanctuaries left, and any point on Earth is at hand, however dangerous it may be, and it may even be said that this danger is the reason for guided visits to be available. The need to bring excitement into normal, “tedious” daily life is the reason for the demand of trips to war zones and inhospitable desert.
Of course, the possibility of unlimited travel to any existing land territory has occurred in our generation, but this is not the reason that characterizes modern man. We have become nomads, true, but, above all, we have become nomads within our own inner world and this has been decisively influenced by the inclusión of the latest technology, from the Internet to digital procedures. These tools have allowed us to travel to áreas of knowledge without the need of physical movement, thus becoming nomads of knowledge from the privacy and confort of our home. In turn, this accessibility to broader information and cornrnunication has allowed traveling to our inner world in a way which had never been considered possible.
We can say, therefore, that we are external and internal nomads to a degree hitherto unknown to man, and this involves a transformation of reality (with its ethnic, political and religious conflicts, the degradation of the biosphere, the voraciousness of the market, the return of famine ... (the acceleration of which has led this civilization not its self-transformation but to its foreseeable collapse), which is more interesting tan any revolution, steering clea rof the risks involved and approaching the notion of a deeper metamorphosis tan that proclaimed by the revolution, for it contains the radical transformation thereot but always linked to conversation (of life or cultural heritage). Quoting the French philosopher Edgar Morin, "in fact, everything has restarted, but it has escaped our noticed. We are at the modest invisible, marginal, scattered beginning of things. A spirit of creativeness, a multitude of local initiatives in the sense of economic, social, political, cognitive, educational and ethnic regeneration, or the reform of life, now exists on all continents." The current hegemonic field of thought only offers reducing alternatives, dead ends, the pathways to collapse. Thus the metamorphosis requires a turning point and also of support, which will have to globalize and deglobalize, increase and diminish, unfold and refold.
At this point of history, of enormous significance for the future of humanity, photography is recording all the small, sensitive changes that herald the onset of the metamorphosis, from the very-personal stories to the new sensitivities, from the en don an era doomed to degradation to the emergence of collective behavior. And it does this in two ways: recording the facts, every tiny, private change in everuday life and giving rise to new stories on reality, photography has long since ceased to be mere documents reflecting the outside world, to also become a vehicle to our desires, expectations, fears and longings.
What we do not yet know is how it will all form a new metamorphosed reality and what it will look like, but when today’s photographs are looked at in the future, they will accurately reflect the small bricks of life on which it was built. These pictures we have taken today reflect the vision of the nomad we have become, camera in hand changing the world. Although we do not know the ultimate goal of our wanderings, we do know that "the origin is before us" (Martin Heidegger), a new and photographically registered origin.
The Vision of the Nomad
By Javier Gonzalez de Durana - Artistic Director of the Art Space of Tenerife (TEA]. 2010.
Text of the exhibition catalog Open Spaces IV.
Gran Canaria Espacio Digital. Las Palmas de Gran Canaria, Spain. Centro de Arte La Recova. Santa Cruz de Tenerife, Spain
Fragment in red #13
(Velazquez)
Acrylic and pigments on canvas
100 x 81 cm
Pangometry #13
(Stand)
Acrylic and tempera on paper.
70 x 50 cm
Altered States of Reality
By Karin Maraney. Writing and Social Media Coordinator, Agora Gallery, New York.
Text of the exhibition catalog Altered States of Reality. An Exhibition of Analog and Digital Fine Art Photography. November 2 - November 23, 2011
Hauntingly romantic and evocatively nostalgic, photographer Alfredo Gonzalez uses digital photography to unique and inspiring ends. Poignant, richly velvet-like textures characterize his photographs, stirring a deeply felt sense of the past, present and future. Gonzalez uses a hybrid of styles, including writing-like scrawls in some works, which allude to the powerful work of the Abstract Expressionist movement. The artist does not subscribe to any specific artistic dogma or practice, however; instead, he constantly experiments with different styles and techniques. Approaching photography from various disciplines, Gonzalez is able to penetrate the exteriors of his subjects with stirring, beautiful empathy. Through these ethereal, poetic works, he voices the ephemeral nature of time. “There only remain the timeless moments that slip between our daily destinations, filtering through our souls, to resurface as breaking memories which do not distinguish between dreams treated as realities or realities treated as dreams,” he says. Born in the Canary Islands, Alfredo Gonzalez has exhibited his works throughout Western Europe.
Pangometry #12
(Red stream)
Acrylic and tempera on paper.
70 x 50 cm
Pangometry #9
(Magnet)
Acrylic and tempera on paper
60 x 50 cm
Pangometry #10
(Reflection)
Tempera on paper
23,5 x 20 cm
Pangometry #11
(Inner eyes)
Watercolor on paper.
49 x 34,5 cm
Pangometry #1
(Gem)
Tempera on paper.
70 x 50 cm
Pangometry #6
(Routes)
Acrylic and tempera on paper.
60 x 50 cm
Pangometry #7
(Crowd)
Acrylic and tempera on paper.
60 x 50 cm
Pangometry #8
(Flowers)
Acrylic and tempera on paper.
60 x 50 cm
Pangometry #2
(Tiger head)
Tempera on paper
45 x 32.5 cm
Pangometry #3
(Yellow fish)
Tempera on cardboard
48 x 64 cm
Pangometry #4
(Folding screen)
Acrylic on Wood.
100 x 100 cm
Paisajes silenciosos
Alfredo Gonzalez
Texto para el catálogo de la exposición colectiva Paisajes silenciosos.
Sala Aperitivos Visuales. La Orotava, Tenerife (España). 2011.
El universo está hecho de historias, no de átomos -- Muriel Rukeyser
En nuestros desplazamientos cotidianos, arrastrados de forma automática por el dinamismo urbano, concentrados en llegar con premura a nuestros destinos y con la mente ocupada en las tareas cotidianas que nos aguardan, los detalles del entorno suelen reducirse a meros rasguños anecdóticos e indefinidos que en un instante caen en el olvido.
En la serie humus, trato de plasmar esos retazos de "materia en descomposición" enterrada por nuestra percepción utilitaria y que abona nuestros estados del alma. Para ello, una vez liberados de la dependencia de los valores condicionantes de la representación fotográfica tradicional, me motiva la posibilidad de transgresión de los aspectos formales de nuestra percepción visual.
Esta reinterpretación de la mirada inicial, conjugando los factores de memoria, concepto y sentimientos, es lo que me aleja de los aspectos técnicos de la toma fotográfica, para orientar el post-procesado digital hacia un flirteo creativo donde conviven tanto elementos fotográficos como pictóricos y narrativos que apoyan al contenido. Este enfoque pictorialista me lleva al expresionismo, al gestualismo y al uso emotivo del color, elementos incorporados de estados previos de mi recorrido artístico.
Sobresaturando el color, intento expresar cómo dichos momentos fugaces trascienden, con su intensidad, el plano perceptual para incidir directamente en nuestra alma, haciendo que prime en nuestros recuerdos la sublimación de lo experimentado (“aquél fuego en el cielo”) más que la realidad objetiva.
Formalmente, me seducen los elementos de tránsito urbano por su carga simbólica y metafórica: carreteras, caminos, puentes, túneles, escaleras, vehículos, embarcaciones... representan tanto la partida como el destino, consumado o anhelado, el equilibrio dinámico entre presencia y ausencia, entre plenitud y vacío. Cuando su solidez se disgrega, surge su alma. Desde el momento en que su misma sustancia tiende a diluirse, engullida lentamente en un acto de purificación, es cuando se evocan de cerca las trazas de lo humano.
A partir de ahí, sólo permanecen los momentos atemporales que se deslizan entre nuestros destinos diarios, filtrándose en nuestra memoria, para resurgir como recuerdos transgresores que no distinguen entre sueños tratados como realidades o realidades tratadas como sueños.
ART_is_Spectrum
Alfredo Gonzalez
By Sabrina A. Gilbertson. Assistant Director, Agora Gallery (New York).
Review in ArtisSpectrum magazine, Volume 26 (2011).
Rooted in traditional art-making techniques such as drawing and painting, Spanish artist Alfredo Gonzalez blends the rich, lush textures of conventional mediums with the exhilarating possibilities of digital photography. Opulently romantic in the way he approaches and treats his subjects, Gonzalez uses the human figure in a strikingly fresh manner. Intriguingly reminiscent of Pre-Raphaelite and Abstract Expressionist painting alike, the artist’s works harmoniously merge diversely beautiful images into soundly poignant artworks. In doing so, Gonzalez evokes the ethereal, mysterious way in which the moments, and thus experiences, of life pass by in sparkling transcendence. Perception, and the continuous altering of the way we view the world, is at the core of these works. Velvety textures nuance every piece, morphing the viewer’s vision into a gorgeous dream that is only possible through digital methods. “I am released from the dependence on traditional photographic representation, motivated by the possibility of breaking the formal aspects of our visual perception,” says Gonzalez. Alfredo Gonzalez was born in the Canary Islands, and his works are collected widely throughout Europe.
GF 101
Adult / Female / Asian / Chinese / Geisha
GF 401
Young / Female / White / Blonde / Golden
GF 201
Old / Male / White / Bearded
GF 501
Young / Male / White
GF 301
Young / Female / Asian / Japanese
GF 601
Young / Female Redhead / Facemask
Siroco / Desiertos
Celestino Hernández
Texto para el catálogo de la exposición colectiva Siroco / Desiertos, de Pepe Arbelo y Alfredo Gonzalez.
Sala Eduardo Westerdhal del Instituto de Estudios Hispánicos de Canarias. Puerto de La Cruz, Tenerife (España). 2003.
Transformamos la realidad, la recreamos en nuestros sueños, e incluso la trasladamos luego a un lienzo o a un papel fotográfico, porque necesitamos encontrarnos en una situación acorde, con nuestro espíritu, nuestra razón y la realidad en la que nos desenvolvemos. Buena manera es la que nos permite transformar la realidad, modificarla, al menos sobre el lienzo, o sobre el papel fotográfico, frente a aquella otra con la que nos damos de bruces una y otra vez, nos agobiamos, y desesperamos.
Qué, sino, fue una lucha como la emprendida en defensa del Rincón, un pequeño espacio, como su propia denominación indica, arrinconado en el Valle de La Orotava. Un sueño por evitar que sucumbiera a la especulación devoradora, por impedir que se cubriera de cemento como el resto, un momento de respiro a través de las pinturas, las fotografías y los carteles, que participaron en exposiciones solidarias con la causa.
Mas, al final los sueños toman sueños, y los sueños se acaban, la realidad que se impone nos hace más difícil soportar lo que nuestro olfato no soporta, ni nuestra sensibilidad. Y es ahí cuando aparece el creador, que se empeña en modificar la realidad, al menos en su mundo, donde él es quien planifica, quien reordena el espacio.
Lo hizo De Chirico en sus ciudades particulares, muchas veces desiertas de ciudadanos -El enigma de una jornada, de 1913-, perfectas para su entender. Lo realizó Yves Tanguy en sus paisajes inigualables, desiertos de vegetación, limpios incluso los objetos -Mama, Papa Is Wounded, de 1927-, equilibrados para su sentir. Y lo llevó a cabo también Juan Ismael en sus escenarios de los sueños, en su particular lucha por recrear nuestro hábitat insular, sus paisajes -Puerto del norte de Tenerife, de 1934- y sus gentes -Mujer ante la isla, de 1943-.
Pepe Arbelo y Alfredo González nos han traído un aire gozoso y renovado, con sus dos propuestas creativas: Siroco y Desiertos. Han encontrado el medio más adecuado a sus capacidades creativas, y los métodos con que llevarlos a cabo. Y debemos agradecerlo, porque los resultados no pueden dejamos indiferentes. Esta es una ocasión en la que nuevos medios como la informática, incorporados últimamente por los artistas, han sido instrumentos felices para alcanzar excelentes resultados. Y en ese proceso las imágenes no han perdido calidez alguna, bien al contrario han ganado en definición, en claridad de los contenidos y los mensajes.
Siempre quise conocer el Desierto, y tuve oportunidad de hacerlo en El Sahara, a corta distancia en avión desde nuestra tierra. El Siroco podemos conocerlo sin necesidad de salir de las islas, ya que de tiempo en tiempo cubre nuestros cielos. Elemento extraño y familiar al mismo tiempo, forma parte de nuestras vidas desde la más tierna infancia. El inmenso espacio en el que señorea el desierto, inabarcable para nuestra mirada, misterioso e inquietante, en donde tan pequeño llegas a sentirte, no te produce sólo sensación de soledad. Te acompaña el silencio, la quietud total y también un cielo tan lleno de estrellas en la noche, que nunca te aburrirías de sólo contarlas. Conozco ciudades mucho más solitarias que el desierto, y espacios urbanos en donde te sentirías más desamparado y perdido. Y también conozco gentes que llevan la soledad consigo, en medio del bullicio urbano.
La magia surge en el modo como Pepe Arbelo y Alfredo González nos presentan el Desierto y el Siroco, su particular visión, lectura e interpretación, cómo nos lo hacen llegar, después de "tratarlos" en el ordenador y fijarlos en las fotografías.
Sirocco
(1999)
A multiple vision of the nearby environment: detail-panorama, natural-urban-industrial landscape, real-imaginary landscape, island-continent, border-atmospheric transit, material-emotional flow.
Script and Realization
ALFREDO GONZALEZ and PEPE ARBELO
Music
ANTONIO HERNANDEZ
Sound Edition
DOMINGO MESA
Pangometry #26
(Memory)
Acrylic, acetate and iron on canvas
100 x 100 cm
Pangometry #16
(Wet street)
Acrylic on paper
28 x 37 cm
Fragment in red #14
(Munch)
Acrylic and pigments on canvas
100 x 81 cm
Flowers #49
Acrylic on fabric
120 x 120 cm
Flowers #1
Watercolor and tempera on paper
65 x 50 cm
Flowers #41
Diptych
Acrylic on fabric
100 x 200 cm
Flowers #42
(Eco-dis)
Diptych
Acrylic, oil, varnish and resin on canvas
130 x 194 cm
Flowers #45
Triptych
Acrylic, varnish and resin on canvas
117 x 27 cm
Flowers #36
Acrylic and oil on wood panel
97 x 130 cm
Flowers #23
Acrylic and ink on paper
32 x 24 cm
Flowers #40
Diptych
Acrylic, varnish and resin on canvas
70 x 180 cm
Pangometry #15
(Jam)
Pigments on ceramics
21 x 28 cm
Pangometry #14
(Seated woman in green)
Acrylic on panel
96 x 70 cm
Domes and Doves
(2020)
Metaphorical representation of the confinement - deconfinement, and the freedom that comes from shared dreams.
Personal videocreation artistic work made in March 2020, during the COVID quarantine period. This time, I decided focussing on an autonomously and experimental way, carrying out the entire creation process from the edition of a single still photograph. In post-production, I used techniques of animation, video-mapping (projections on three-dimensional objects), and morphing (morphological transformations).
Wishing Well
(2017)
Like if we are looking for something more among the leaves that autumn lets fall, the sublimation of the experienced overlaps the experience of the obvious.
Blood & Feathers
(2009)
The war as a vain game of external and internal mutations where there are only losers.
Stairway
(2005)
The personal path.
Jazz trio
Pencil and ink on paper
20 x 12.5 cm
Jazz singer
Ink on paper
40 x 30 cm
Transit
Pastel on black cardboard.
88 x 61 cm
Homoline #5
Pen on paper
12 x 27 cm
Homoline #4
Pen on paper
20 x 20 cm
Homoline #1
Ink on paper
16 x 12 cm
Homoline #3
Graphite and ink on paper
17 x 14 cm
Seated figure #1
Digital ink on paper
60 x 50 cm
Homoline #6
Ink on paper
42 x 50 cm
Seated figure #2
Ink on paper
18 x 24 cm
Lying figure #3
Digital ink on paper
120 x 90 cm
Lying figure #1
Digital ink on paper
120 x 90 cm
Lying figure #2
Digital ink on paper
120 x 90 cm
Man with hat
Colored pencils and ink on paper
28.5 x 19.5 cm
Lying figure #4
Ink on paper
42 x 50 cm
Homoline #2
Graphite and charcoal on paper
34 x 24 cm
Orbits
(2007)
The vital path.
ARQUITEXTURAS: Cultura(s) y Naturaleza o rehumanización del arte
David Galloway
19 de mayo de 2017
ArtBoxTalent mural project
Swiss Art Expo 2020
Fragment in red #11
(Picabia)
Acrylic and pigments on canvas
100 x 81 cm
GF 701
Old / Male / Indian / Bearded / Guru
Fragment in red #16
(Fortuny)
Acrylic and pigments on canvas
100 x 81 cm
Fragment in red #12
(Goya)
Acrylic and pigments on canvas
100 x 81 cm
Fragment in red #9
(Raphael)
Acrylic and pigments on canvas
100 x 81 cm
Fragment in red #15
(Sorolla)
Acrylic and pigments on canvas
100 x 81 cm
Fragment in red #10
(Boucher)
Acrylic and pigments on canvas
100 x 81 cm
Fragment in red #8
(Delacroix)
Acrylic and pigments on canvas
100 x 81 cm
Derroteros de la fotografía en Canarias (1839 - 2000)
Carmelo Vega
Texto de catálogo de exposición itinerante. 2002.
Centro Cultural CajaCanarias. Santa Cruz de Tenerife, España.
La Caja de Canarias. Las Palmas de Gran Canaria, España.
En el contexto de la historiografía del arte en Canarias, los estudios sobre la fotografía como medio de expresión y como lenguaje visual son muy recientes. La indiferencia hacia la imagen fotográfica que -tanto aquí como en el resto del estado español- mostraron varias generaciones de historiadores, no sólo frenó el desarrollo de una historia de la fotografía como disciplina autónoma, sino que, además, propició la pérdida de colecciones y de archivos fotográficos de gran valor.
Fue necesario esperar a la década de los 80 para asistir a las primeras investigaciones relacionadas con el análisis histórico de la fotografía. Desde esas fechas hemos asistido también, a un incremento de la sensibilidad y del interés hacia el medio fotográfico por parte del público y de las instituciones culturales.
Sin embargo, la historia de la fotografía en Canarias sigue siendo una crónica fragmentada, incompleta, y muy poco conocida, en la que abundan las aportaciones parciales y escasean las visiones de conjunto, más generales e integradoras.
Frente a esta realidad, la exposición Derroteros de la fotografía en Canarias parte de un doble objetivo crítico: presentar para conocer y revisar para comprender. Concebida desde una perspectiva esencialmente divulgativa, Derroteros intenta ofrecer, de una manera diáfana y precisa, las claves para interpretar aquellas tendencias fundamentales que se han sucedido en la fotografía en Canarias desde la aparición del daguerrotipo, en 1839, hasta la actualidad.
La estructura cronológica de la exposición permitirá al espectador asistir a la progresiva transformación de los modos de ver y de representar fotográficamente, precisando las vías de asimilación y adaptación de estilos, las formas de persistencia y reproducción de modelos icónicos, o las tentativas de innovación y ruptura de los lenguajes fotográficos dominantes.
Detrás de la cámara está siempre el ojo del fotógrafo: en toda fotografía se deposita un residuo de mirada, una manera particular de ver que corresponde al espíritu cambiante de cada tiempo, a las distintas orientaciones de la cultura, y a las diferentes voluntades estéticas. Por eso, en Derroteros de la fotografía en Canarias no sólo interesa lo que vieron los fotógrafos, sino cómo lo vieron y cómo dieron a las Islas y a sus hombres apariencia de fotografía.
2020
SWISSARTEXPO
Zürich, Swiss.
2016
ARCHITEXTURES
Culture House. Los Realejos, Tenerife, Spain.
Art Is Everywhere
Chasmana After Party
Wordwide celebration of art “Creators Deserve to be Seen”.
Wednesday, June 8 and Thursday, Jun 9, 2016.
4 Times Square, 4th Floor. New York, USA.
2015
A Meditation on Place
Selected artworks shows in the International Contemporary Art Show SCOPE Art Miami
December 1- 6, 2015.
SCOPE Miami Beach Pavilion
801 Ocean Drive
Miami Beach, Florida, USA.
2014
SeeMeTakeOver
Artwork display on a 60m high billboard in Times Square, New York (USA). July 24th, 2014. Organized by See.me (www.see.me).
Tamed Landscapes
The Camera Room. La Laguna, Tenerife (Spain).
2013
Creatives Rising
Digital projection of artwork on the LINC LIC skyscraper building, 43-10 Crescent Street, Long Island, New York (USA). July 25h, 2013. Organized by See.me (www.see.me).
The Story of the Creative
Digital exhibition on monitor display. Angel Orensanz Foundation for the Arts. Long Island, New York (USA). July 25h to September 10th, 2013. www.orensanz.org
2011
Altered States of reality
An Exhibition of Analog and Digital Fine Art Photography
Agora Gallery, New York (USA).
Silent Landscapes
Visual Snacks Gallery. La Orotava, Tenerife (Spain).
2010
Open Spaces IV
Project organized by Photography in Canarias, supported by the Studio-School of Alternative Photography.
Gran Canaria Digital Space. Las Palmas de Gran Canaria, Spain.
La Recova Art Center. Santa Cruz de Tenerife, Spain.
2009
Imageriers-3
Fotonoviembre-09. X International Biennial of Photography, exhibition circuit: Atlantic Collectives.
Monje Cultural Space. El Sauzal, Tenerife, Spain.
2008
Regional Biennial of Fine Arts of Santa Cruz de Tenerife
Selected work. La Recova Art Center. Santa Cruz de Tenerife, Spain.
2003
Photography paths in Canary Islands (1839-2000)
CajaCanarias Cultural Center. Santa Cruz de Tenerife, Spain.
Initiatives Center of the Saving Bank. Las Palmas de Gran Canaria, Spain.
2001
Graph 2000. IV Contemporary Graphic Expression Show 1931-2000
Art Packaging Foundation. San Juan de la Rambla, Tenerife (Spain).
1997
Interventions
Fotonoviembre-97. IV International Biennial of Photography. Los Cristianos Cultural Center. Arona, Tenerife (Spain).
1996
Photoblues
Blues of Bar. La Laguna, Tenerife (Spain).
1994
Étudiants de la Faculté des Beaux-Arts de la Laguna
Mai de la Photo. Sacres Gallery. Reims, France.
Si bien el concepto de cultura era, en sus inicios, sinónimo de civilización, a lo largo del tiempo su significado ha ido experimentando transformaciones que llegan hasta nuestros días, y dentro de ese amplio espectro señalamos, en principio, dos. Primero, el de su papel considerado como subsidiario, más propio de los territorios colonizados; y frente a esta estimación, de tendenciosas resonancias etnocéntricas, se contraponía el mayor empaque de las metrópolis colonizadoras, las cuales ya no entrarían entonces en tal categoría de culturas, sino en el de civilizaciones, de supuesta mayor enjundia. En segundo lugar señalamos la ambigüedad que encierra el significado de cultura cuando, reales por igual, refiere tanto una forma de imponer el poder como de contrarrestarlo.
Sin embargo, dejemos aparcados esos significados y recalemos ahora nuestro interés en otras dos acepciones de cultura que se avienen mejor a las arquitexturas, protagonistas de la cita esta noche. La primera, más popular y de signo escapista, es aquella que hace alusión a cuanto alberga lo mejor de la humanidad, induciéndole el sueño de que, como por arte de birlibirloque, llegará el día donde sea un hecho la convivencia entre culturas sin que medien las imposiciones; acepción, permítaseme decirlo, que reproducida hasta la saciedad se ha convertido en otra mercancía de tantas. La segunda acepción, más acorde a nuestros intereses y de claras connotaciones políticas, es la de cultura como vehículo que pone en entredicho a esa misma civilización, quien, entretanto, intenta adocenarla en el nihilismo en su vertiente más consumista. Una segunda acepción transformada en vehículo que, en palabras de Joan Fontcuberta, refleje toda la verdad acerca de la mentira.
Ciñéndonos al arte de la fotografía, salta a la vista que ha seguido un proceso similar al que en su momento hiciera la pintura, de claras resonancias en estas arquitexturas, pues ya desde finales del siglo XIX las vanguardias reivindicaron un arte donde quedaba claramente manifiesta su negación a ser meros formatos naturalizadores de las ideologías oficiales, esto es: patriarcales, etnocéntricas, capitalistas, clasistas, etc. Sin embargo, claro y notorio es que sabe más el capitalismo por perro que por viejo, y ya desde esas mismas fechas, en paralelo desarrollo al de las tecnologías, con impostada cordialidad se las agenció para incorporar a su mercado esos mismos discursos –visuales en el caso que nos ocupa– como otra mercancía más. ¿Cabría entonces deducir que el capitalismo se había estetizado? Evidentemente, no.
Evidentemente, tal y como señalaran Adorno y Horkheimer allá por los 40 del siglo pasado en su impagable Dialéctica de la Ilustración, se limitó a crear otra sección. Creó la industria cultural para incorporar a filas a su incómoda, secular enemiga, la cultura, convirtiéndola así en otro engranaje de tantos en su infraestructura como, valgan los ejemplos, lo eran la desmedida extracción de cualquier mineral o la recolección del trigo que, una vez transformado en harina, y entre usos varios, se emplea para freír churros.
Y entonces he de suponer que los aquí presentes se plantearán qué reto plantean las arquitexturas dentro de todo este panorama. Color, ausencia del mismo, geometría, manipulación de la realidad plasmada mediante el recurso de esa misma tecnología que les sirviera para la captación de imágenes. Cada autor y autora de estas arquitexturas hace uso de su subjetividad para renegar de un esteticismo vacuo al servicio de la mera reproducción, ese esteticismo que, valgan los ejemplos, decora tantas salas de espera o pone música en los ascensores y normaliza la realidad que en herencia nos ha tocado vivir. Cada autora y autor de estas arquitexturas huye de la anécdota y persigue suscitar, porque, concebida como obra colectiva y vista en su conjunto, incluso donde parece imperante la mera reproducción, los elementos juegan el papel de espejo recordándonos el precio que se paga por la explotación indiscriminada de los recursos naturales y humanos. Para recordarnos que si viviendo en un mundo globalizado donde gracias a las nuevas tecnologías el neocapitalismo ya no necesita recurrir a teorías de superioridad racial o cultural para vender sus mercancías, optamos por permanecer pasivos, seguirá entonces resultando más difícil librarnos del pasado que forjarnos un futuro. Para recordarnos, de manera implícita, nunca circunstancialmente explícita, que, por hipotéticas y a tenor de la experiencia, siempre serán más temibles las ruinas del futuro que las ruinas del pasado que se erigen ante nuestros ojos. Para recordarnos tanto la urgente necesidad de rehumanizar el arte atendiendo a la naturaleza interna y externa de la especie humana, como, en no menor medida, la urgente necesidad de renaturalizar a esa misma especie atendiendo a la naturaleza interna y externa del arte, que en su acepción crítica, no meramente reproductora, es, recordémoslo una vez más, lo mejor de una especie que no se conforma con ser simple mercancía material y, por ende, espiritual.
En suma, estas arquitexturas persiguen suscitar para, una vez transformadas por el filtro de las respectivas subjetividades que las contemplan, poder re-suscitar mediante otra perspectiva vital. Otra perspectiva vital que ojalá, y amén, resulte bien distinta a la heredada en este mercado nuestro que bajo el cielo nos damos cada día.
El pluralismo cultural contemporáneo es producto del recorrido acelerado a través de una expansión tecnocrática sin precedentes, basada en el proceso de digitalización de todo tipo de contenidos informativos. En el entorno de las producciones iconográficas, el avance tecnológico viene definido por la Infografía, o sistema de tratamiento de imágenes por ordenador. La reciente irrupción de esta nueva tecnología en el ámbito de la creación fotográfica, ocasiona determinadas incidencias en los hábitos perceptivos que se manifiestan a la hora de planificar, crear y juzgar sus productos. Las fotografías tratadas por ordenador desde una óptica creativa tienden hoy hacia el alejamiento de los imperativos técnicos iniciales en favor del impulso expresivo; la desmaterialización y la capacidad manipulativa que llevan implícitas les otorga un desplazamiento de sus intereses respecto a los del medio fotográfico puro: desde la captación objetiva de la realidad por la cámara, derivan hacia una mayor subjetivización del resultado final obtenido, lo cual las sitúa en el plano del arte. Bajo estos presupuestos de partida, en esta charla se pretenden exponer las líneas básicas de desarrollo de un trabajo personalizado en el campo de la fotografía digital, centradas, más que en los elementos técnicos implicados en su consecución, en los factores ideológicos que apoyan su contenido.
Estrategias del deseo. La opción digital
Alfredo González
LABOTRATORIA. Palabras de Fotografía. Aula de Fotografía de la Universidad de La Laguna. Facultad de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife, España. 20 de mayo de 1996.
Serie Estrategias del Deseo (Personas y Cosas).
Concept
The generic, current concept of my work is the try to express how certain perceptions affect our memories, in a kind of sublimation of the experience: that timeless moments that slip between our daily destinations, filtering through our souls and dissolving on our past, to resurface as breaking memories which do not distinguish between dreams treated as realities or realities treated as dreams.
Journey
I arrived to the digital medium after a long journey with various artistic genres, always incorporating elements of previous stages in my developing technical and creative approaches. Beginning with drawing and painting, I gone over to analog photography, music, theater, film, video and, finally, digital photography, where I feel comfortable working with digital tools applied to photographic imagery, a medium that allows me to integrate and apply all my previous artistic experience. Reinterpreting the initial captures, combining factors as memory, concept and feeling, I focus the digital post-processing to a creative flirtation where coexist pictorial, photographic and narrative elements supporting the contents.
Style
In my current photographic works, I try to release me from the dependence on determining values of the traditional photographic representation, motivated by the possibility of break certain formal aspects of our visual perception. The pictorial approach leads me to the expressionism, the gestural and the emotive use of color through the distortion and oversaturation, elements that are incorporated of previous stages of my artistic journey.
Influences
PAINTERS AND SCULPTORS:
Anselm Kiefer, Antoni Tàpies, Egon Schiele, Ernst Ludwig Kirchner, Jean Dubuffet, Louise Bourgeois, Lucian Freud, Marc Chagall, Miquel Barceló, Pablo Picasso, Paul Klee, Robert Rauschenberg, Rembrandt, Sigmar Polke, Willen de Kooning, William Turner.
PHOTOGRAPHERS:
Chema Madoz, Gregory Colbert, Jan Saudek, Joel-Peter Witkin, Mike & Doug Stern.
Available on Amazon
Print book:
Ebook:
La persistencia de una huella
Pedro Jorge Hernández
Artículo publicado en la revista Arte Fotográfico, Nº 545 (diciembre 1998). Madrid, España.
Serie Siroco, de José Arbelo y Alfredo González.
Bajo el nombre de Siroco, Pepe Arbelo y Alfredo González nos presentan una obra notable en su estética, con reminiscencias pictoralistas e interesante en cuanto a concepto. Una vez más, la infografía y la fotografía establecen una simbiosis creativa.
El Siroco es un viento desértico que en ocasiones azota las costas Canarias y el Sahara. Es el vínculo atmosférico entre las Islas y el Continente.
La serie de 18 fotografías que configuran la propuesta Siroco no se limitan a la plasmación de un mero fenómeno meteorológico. Es el nexo, la excusa para el viaje; un tránsito que comienza en los malecones, que se despierta en los arrabales industriales, que amanece en la marginalidad de los suburbios, donde no se aprecia atisbo de vida, tan sólo la oscuridad metálica, el racionalismo de las formas y la inquietud cromática. Se percibe la desintegración en soledad de las vetustas estructuras postindustriales y sus residuos de marginalidad, caracterizaciones del paisaje y conductas.
Siroco es la nave que nos transporta a través de las fronteras, que nos inicia en el desierto y nos remite a su nacimiento. Es en la desértica geografía magrebí donde hallamos el cambio cromático, el contraste. Ya aparece la figura humana, la relación telúrica ancestral, inolvidable: África.
Es la plasmación de colectividades que viven de espaldas pese a su cercanía existencial, la ignorancia persistente a un estigma primigenio, la persistencia de una huella.
Do you consider yourself an artist?
Yes.
What is it that you love about your style of photography?
My relation with photography keeps entirely to an artistic, creative and experimental approach, inherited from my educational background in Fine Arts. So, my impressionist technique is focused to promoting, first of all, a transgression of the photographically captured reality itself, which allow me to approach into the dreamlike territories that I'm always looking for. Although my works are based on reality, I always try to incorporate, by means of an experimental treatment, something original, creative, narrative, moody, pictorial, and/or poetic in some way, to the extent that their evocative power is stronger that the images itself.
What are your creative methods for creating your images?
My work, as a whole, follows an impressionist and pictorialist way. Some of my recontextualized photomontages have certain surreal reminiscences. On the other hand, I often use expressionist elements in relation to the presence of vigorous strokes and the emotive use of color. Many people have asked me about my work method and about the 'secret' of my style. They are really very simple. It is basically, slightly vibrate the camera when shooting, and then apply a long digital post-processing on the image, using multiple layers of textures. I think this texturing process is the true creative method.
Which artist do you admire the most?
Painters and sculptors: Anselm Kiefer, Antoni Tàpies, Egon Schiele, Ernst Ludwig Kirchner, Jean Dubuffet, Louise Bourgeois, Lucian Freud, Marc Chagall, Miquel Barceló, Pablo Picasso, Paul Klee, Robert Rauschenberg, Rembrandt, Sigmar Polke, Willen de Kooning, William Turner.
Photographers: Chema Madoz, Gregory Colbert, Jan Saudek, Joel-Peter Witkin, Mike & Doug Stern.
Among all of them, My most direct mentor in my artwork is the English romantic painter William Turner (1775-1851). I am very fascinated and inspired by his impressionistic vision of atmospheric washes, the moods of nature and ephemeral atmospheric effects, how he painted by leaving out solid objects and detail, concentrating on the play of light and shimmering color on forms. His style is simply timeless and undying.
What inspires you the most?
My main subjects are natural landscapes, cityscapes, seascapes, ruralscapes and cloudscapes. Spaces discovered by my eyes, captured through my camera, discussed by my mind, interpreted by my soul and expressed through my hands. My captures often incorporate elements of urban transit as a link between the works, at both formal and symbolic level: bridges, roads, stairs, tunnels, boats and vehicles.
What do you do in order to get through a creative block?
I almost always carry my camera with me. In any everyday situation, I feel often motivated by the possibility of breaking the formal aspects of our visual perception. Sometimes, all I need is a snapshot taken in which there was no time to think, only to catch it quickly from inside a speeding car. Later, when I set my photographic vision out for each scene in particular during post-processing, I usually reinterpret the initial look, combining the factors of memory, concept and feelings. In this way, I can systematize my creative process and overcome any block.
When do you get your best ideas?
I think the way we interpret the things just give us a lot more that the things themselves. In many of my works, a single leaf on the floor can assume a great physical, structural and poetic presence. Anything depends on our point of view.
Does your inner critic whisper in your ear? What does it say?
I try to lead beyond the reliance on technical aspects and the constrainting values of the traditional photographic representation, such as: the correct focus, the balanced tonal range, the realistic chromaticism, the freezing of the movement, the reliable documentation of a model, scene or event, the depth of fiel. Sometimes, I criticize myself wondering whether or not this is the right way: in the field of creativity, in general those photographs that keep to classical themes, as landscapes or portraits, get much more popularity in photographic social networks, such as Flickr or Instagram, than experimental or abstract works, or those with an intimate or independent thematic. I always prefer try to break the commonplace scenes, often captured in postcards. As I mentioned, in my artistic process, the creativity is often imposed over the reason, the breaking over the convention, the insubstantial over the substance.
What have been your biggest challenges and achievements?
One group exhibition at the Agora Gallery in Chelsea (New York) in November 2011, and a projection of my artwork in the "American Eagle Billboard", one 60m high billboard in Times Square (July 24th 2014).
What ambitions do you have in now and where do you see yourself taking this in the future?
Currently, I am negotiating a future solo exhibition in the Lower East Side of Manhattan, New York.
Interview by Eva Polak
Online interview by the Polish impressionist photographer Eva Polak
January 2015
Studies in the School of Art Fernando Estevez of Santa Cruz de Tenerife, Spain.
Graduated in fine arts at the University of La Laguna, Tenerife (Spain).
Doctorate curriculum in Computer Graphics and Photography.
Postgraduate Research Grant in the Department of Fine Arts of the University of La Laguna to work on his doctoral thesis entitled Integration of Analog and Digital Processes in the Field of Photographic Creation.
Del corazón del siroco
Francisco González
Artículo publicado en la revista La Fotografía Actual, Nº 75 (Octubre-Noviembre 1999). Barcelona, España.
Serie Siroco, de José Arbelo y Alfredo González.
El siroco es un viento del desierto de extrema se-quedad y altísima temperatura. Sopla desde el interior del continente, desde el corazón del Sahara y se proyecta hasta el litoral y las costas.
A quienes vivimos junto a África, el siroco impone graves condicionantes. Nos turba la mente, nos limita la visión, nos altera el ritmo vital; su omnipresencia nos convierte en seres excéntricos, nos recuerda nuestra condición periférica y nos reafirma en el exterior del continente.
Vivir inmersos, de cuando en cuando, en su influjo, supone asumir una individualidad ex-trema, saberse aislado en un mundo que pierde sus contornos, que pierde cualquier referencia.
Bajo el manto de arena en sus-pensión no existe tierra ni cielo, todo se confunde. No hay horizonte, no hay línea divisoria. Nuestra vista "impedida" no alcanza a escudriñar más allá de lo inmediato. Es un mensaje de la naturaleza que nos confirma lo efímero de cualquier certeza. Es la duda hecha viento. Aliento del corazón de la tierra que nos expone a nuestra propia endeblez y contingencia humanas, que irrita nuestros ojos v que quema nuestra epidermis como fuego abrasador.
De algún modo —sin embargo— el siroco es genuinamente actual, contemporáneo y es por ello —quizás— que José Arbelo y Alfredo González decidieran darle ese nombre a su obra plástica. Obra en la que se pone de manifiesto la actual convivencia de distintas tecnologías al servicio de la imagen.
Fotografía e infografía. En la una, lo real: sigue siendo ex-presión de su representación, su génesis sigue siendo global y estando en el registro óptico; en la otra, lo irreal: se construye a partir de unidades gráficas, de píxeles, su génesis es electrónica e individual.
A lo largo de toda la historia de la cultura fotográfica, a es-te medio se le impuso la misión de reproducir la realidad tangible, pero hoy en día, esa misma realidad se ha trocado huidiza, ambigua y contradictoria, corno sometida al siroco, donde lo real supone un mero contorno efímero, una apariencia. En este contexto, lo fotográfico se muestra como un medio capaz de revelar los sutiles perfiles de la realidad otorgando sentido a nuestra experiencia individual y colectiva.
En Del corazón del siroco, José Arbelo y Alfredo González, se adentran no sólo en la representación de un territorio, si-no también en su construcción artística y cultural. Son paisajes que hablan del borde, de la frontera, de la similitud de territorios oficial-mente distintos. Territorios excéntricos que revelan otras identidades lejanas del arquetipo y el tópico. Que desvelan la extrema dureza de una convivencia, de una contigüidad física donde existe algo bien distinto al paraíso terrenal turístico.
Lugares y paisajes de ausencia, desalmados, duros, sofocantes, que ocultan la esperanza de lo humano tras muros y ventanas. Imágenes de silencio y abrumadora soledad. Del corazón del siroco.
Memoria
Representada
Collaborative project with the potographer Jaime Ramos
2017
Photographs
Artifact Gallery. New York.
2015
Searching fall
Fleming-4 Gallery. Puerto de la Cruz, Tenerife (Spain).
2012
Homos/Humus
Restaurant Casa de Mia. Santa Cruz de Tenerife, Spain.
2008
Homocromas
Fleming-4 Gallery. Puerto de la Cruz, Tenerife (Spain).
2004
Sirocco/Deserts
Itinerant multimedia exhibition project, with the collaboration of: Pepe Arbelo (photographer), Domingo Mesa (music producer) and Antonio Hernandez (musician). Institute of Hispanic Studies. Puerto de la Cruz, Tenerife.
1995
Strategies of Desire (People and Things)
Official selection in the 3rd International Biennal of Photography ‘Fotonoviembre 95’. Juan Cas Art Room. La Laguna, Tenerife.
1992
Engravings, Drawings and Paintings
Restaurant La Solana. La Laguna, Tenerife.
1990
Fragments in Red
Owl Jazz-Bar. La Laguna, Tenerife.
El tránsito del viento
Carlos Padilla
Artículo publicado en el periódico La Gaceta de Canarias, suplemento cultural El Mosaico, 28 de noviembre de 1999. Tenerife, España.
Serie Siroco, de José Arbelo y Alfredo González.
Canarias ha vivido de espaldas al continente africano. Su inserción en el mundo europeo, en España, ha escindido al Archipiélago de las tierras que, geográficamente, le son más próximas. Sin embargo, poco a poco despierta una noción de tránsito entre dos tierras hermanas, una idea que Pepe Arbelo y Alfredo González, fotógrafo e infografista, respectivamente, han querido plasmar en su obra conjunta Siroco; presente en la sala de exposiciones La Recova dentro de las muestras de la V Bienal Internacional de Fotografía Fotonoviembre.
El siroco es un viento que nace en el interior del Sáhara y se despliega hasta el litoral continental. Canarias recibe a menudo, por tanto, su influencia. "El siroco constituye un tránsito atmosférico de África a Canarias. Nosotros lo empleamos rara reivindicar los vínculos entre el norte del continente y el Archipiélago, una relación olvidada por la cultura oficial, explica Pepe Arbelo. Como los dos artífices de Siroco afirman, una extraña coincidencia ha hecho que la matriz de su obra, la idea del flujo atmosférico, tenga un correlato en el abundante flujo humano que ha tenido lugar en los últimos meses de África a Canarias.
Esta obra comenzó a fraguarse hace cuatro años, cuando el fotógrafo empezó a captar con su cámara la textura de la arena negra presente en las playas del norte de Tenerife, como el Bollullo, Los Patos o el Ancón. Poco después, los ojos del artista fijaron su mirada en el paisaje urbano y sus zonas industriales. De la unión de estas dos visiones nacería Siroco. Pero el proyecto no quedó sólo en eso. Alfredo González, el infografista, sometería las fotografías resultantes a un proceso informático que haría efectiva la fusión de dos conceptos visuales. "Siroco no incluye imágenes artificiales, sino tratadas por ordenador. En los cielos de las fotografías incluimos, mediante semiimpresiones y transparencias, la arena y el reflejo de los acantilados de la costa en ella", comenta Alfredo González. Tras este proceso, los artistas quisieron dar un paso más hacia una obra multidisciplinar elaborando un vídeo de animación fotográfica que, mediante las fotografías desarrolladas en Siroco, plantea un discurso basado en los conceptos base de la obra y ayuda a entender su proceso de construcción. Pretendemos que el vídeo, montado el pasado verano, salga de las Islas a los principales festivales de vídeo de España y Europa. También puede que esté presente en algún festival de cine, como actividad paralela", señalan los autores.
El resultado de todo esto es una creación fotográfica compleja que trasciende su género, muy cercana a una estética pictorialista y profundamente arraigada en el cómic. Asimismo, Siroco se alza como un homenaje a los pintores atmosféricos del XIX, especialmente a Monet y Turner, cuyos postulados es-téticos acaparan la atención de los dos artistas. "También hemos querido homenajear a otros renovadores de las artes. En el vídeo, un barco presente en una de nuestras fotografías cobra movimiento y se aproxima, lentamente, hacia el espectador. Es un guiño a la obra de los hermanos Lumière, aquella en la que un tren se avalanza sobre el aforo'', apunta Arbelo.
El proceso de elaboración de Siroco, lejos de ser fortuito, está muy estructurado. Como destaca Alfredo González, consta de dos fases. "La primera engloba varias etapas: la obtención de las fotografías, su digitalización y el tratamiento infográfico o fotomontaje digital. También incluye la reproducción de las fotografías, para lo que se empleó el plotter, un método mucho más barato que la filmación de las imágenes. La segunda fase se dedicó a la elaboración del vídeo arte. Partiendo del material fotográfico, desarrollamos una extensión dinámica de la información visual inicial". Además, en el vídeo se incluyó una banda sonora que corrió a cargo del compositor y arreglista Antonio Hernández. "La música del vídeo cuenta con la participación de varios músicos y de un niño saharaui de doce años que aporta, con su canto, un elemento más de relación entre estas dos tierras". El objetivo de los artistas es la difusión conjunta de ambos estadios de la obra. "Pretendemos presentar en una misma sala todo el proyecto. La Recova acoge, pues, esta fusión de foto y vídeo en un mismo espacio".
Innovación estética y contenido
"Hemos querido afrontar nuevos retos que la fotografía convencional no puede lograr", aseguran los artistas. Pero Siroco no queda en el mero efectismo que a menudo se atribuye al empleo de las nuevas tecnologías en el arte. "Nuestra obra está cargada de contenido. Emplearnos la técnica informática como un medio para transmitir un concepto visual: la idea del tránsito es desarrollada en Siroco en el nivel simbólico, narrativo y conceptual. Hemos querido dejar clara la idea de que pese a que se nos quiera vincular a Europa estamos mucho más relacionados con África. El siroco es el núcleo de ese vínculo". Además, a la integración del vídeo y la fotografía se sumará, en el futuro, la obra literaria de algunos autores canarios. Este hecho hace de Siroco una obra inconclusa, en permanente crecimiento e interdisplinar. "Algunos poetas y escritores se han ofrecido para participar en nuestra obra. Quintín Alonso, Víctor Ruiz, Melchor López y Juan José Fuentes, entre otros, aportarán algunos de sus textos a Siroco", revela Pepe Arbelo.
El viento del desierto alcanza las Islas en noviembre, esta vez a través de la Bienal Internacional de Fotografía. De su cálida presencia queda el testimonio visual que estos dos artistas han querido plasmar en una obra compleja pero a la vez asombrosamente compacta.
Reflections #1
The overinformation as a sign
of our own misinformation.
Cityscape #35
(Dragon Vinci)
La Orotava. Tenerife, Spain
Recontextualized urban scene.
The universe is made of stories, not of atoms
Muriel Rukeyser
Grounded #1 (The wait)
The chance as the key factor
in the game of territorial division.
Grounded #2 (Hope)
The ambiguous connection between
one instant and its uncertain memory.
Cityscape #36
(Kissing shadows)
View of the city of Manhattan from the top of the Empire State Building. New York, USA.
As the sun went down, a golden cloak slid smoothly over the buildings, covering them with a fleeting warmth, while the night was returning among the muttering of distant dreams.
Reflections #2 (The thinker)
A thought about a reflection turned
into the reflection of a thought.
Cityscape #32
(Crystalhenge)
London, England
An allegorical transit through urban structures at the ends of human presence, from stone monuments to crystal hyperhabitats.
Cityscape #33
(Silent windows)
London, England
Is it a dream or something else
When the surface of the blackened river
Is a face that sweats with tears?
T. S. Eliot
Cityscape #34
(Anisoptrix)
View of Manhattan from the Staten Island ferry. New York, USA
Urban metamorphosis. Temporary absences of a scenario containing more than a sum of buildings.
Triple seduction
Synthesis of a triple seduction:
physical, economic, and media.
Cityscape #37
(Crossing lines)
St.ª Apolónia Train Station. Lisbon, Portugal.
Common places where arrivals and departures are continuously crossing. Interleaved tracks of consummate or desired journeys.
Paisajes domados
Miguel Ángel Roldán
Texto para la exposición colectiva Paisajes domados. Alfredo González y Alfonso Bravo.
La Cámara Espacio Fotogáfico. La Laguna, Tenerife (España), 2014.
La formación del futuro
Mauricio Pérez
Artículo publicado en la revista Foto, Nº134 (febrero 1994). Madrid, España.
Mauricio Pérez Jiménez, profesor de Fotografía de la Facultad de Bellas Artes de Tenerife, reflexiona en este artículo sobre fotografía y la enseñanza artística al hilo de la exposición de alumnos de esa Facultad en la bienal internacional de fotograqfía Fotonoviembre'93.
Aún es frecuente encontrar en muchas discusiones en los más diversos ámbitos, que a la hora de referirse a la fotografía, se hace como algo ajeno al arte. Frases como «relaciones entre el arte y la fotografía», «los fotógrafos y los artistas», etc., no sólo traen confusión a este fenómeno, sino que mantienen aquel viejo debate de si la fotografía puede estar dentro de él o no; aunque para algunos esto les pueda parecer una dialéctica ya más que superada, merece tenerse en cuenta, en vista de la confusa situación, especialmente evidente en nuestro país.
La pertinencia de comenzar de este modo un texto de presentación sobre la exposición de alumnos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna dentro de la Bienal de Fotonoviembre, viene dada porque nos sirve de marco para señalar algunos de los problemas que aquejan a la fotografía en este contexto. En este sentido, lo más llamativo es la reducida presencia —casi testimonial— de la fotografía dentro de los estudios artísticos de carácter superior, problemática que podemos extender a otros ámbitos, también universitarios, en los que sigue siendo limitada o nula la atención prestada al hecho fotográfico.
Si pensamos en la convulsión ontológica que significó la aparición de un método capaz de producir imágenes por medio de la fijación de los rayos reflejados, transmitidos o emitidos por los objetos del mundo, no es menos que sorprendente, máxime cuando muchas de las manifestaciones artísticas del presente siglo se explican por la aparición de la fotografía, que todavía ésta no haya sido asumida en su plenitud como disciplina al mismo nivel que otras artes.
La teoría nos dice que en el fenómeno artístico siempre encontramos a un individuo establecido como agente activo, cuya producción, es el «resultado de una actividad laboral aplicada sobre las materias, con la utilización de unas técnicas que configuran formas y figuras». En el caso de la creación fotográfica la materia luz, a través de un conjunto de equipamientos mentales y físicos (lo que llamamos técnica fotográfica) y de intenciones del autor (el fotógrafo), configura imágenes que mantenidas en algún soporte, nos hablan de una realidad más o menos cercana. Y aplico de modo premeditado el término hablar como acto genuino de la comunicación, pues hay quienes catalogan al medio fotográfico dentro de «Comunicación» establecida y entendida en confrontación a «Arte», en una estructuración harto confusa de los medios de producción de imágenes, que por el hecho de ser tecnológicos (ya sean óptico/químicos, electrónicos o magnéticos) quedan en categoría distinta a la de otros medios menos tecnológicos (o más manuales). Si bien estos favorecen el proceso comunicativo debido, entre otras razones, a su carácter de obra múltiple, quedan olvidados muchos factores, entre ellos, que la propia obra de arte se configura como «un producto original elaborado por el hombre artificialmente con la intención de comunicar algo» (Fernández Arena, J., Teoría y Metodología de la Historia del Arte, Anthropos, 1982, pág. 27). No es el medio el que a priori caracteriza a su producción como obra artística, sino precisamente sus resultados, obtenidos a partir de una reflexión creadora encauzada a través de ese medio.
Si es cierto que a la fotografía se la olvida dentro del contexto de las artes y del conocimiento en general, no menos cierto es la marginación que ha sufrido y sufre el aspecto formador y pedagógico desde el propio seno de la fotografía. Aunque abundan los libros sobre el tema, por lo general se limitan a incidir en lo técnico, por medio de un muestrario de recetas estandarizadas cuya finalidad es seguir imponiendo una opción dentro de las múltiples posibilidades que ofrece este medio de producción de imágenes. Por lo general se descontextualiza el proceso fotográfico de la voluntad y la actitud del fotógrafo, se descuidan la significación y la funcionalidad de la fotografía, se dejan de lado gran número de técnicas y se olvida su análisis y su configuración como lenguaje específico. Por otro lado, al profesional de la enseñanza, al docente de la fotografía, jamás se le ha prestado atención. Por desgracia su valor viene dado más por su labor fuera de las aulas, en el caso de que la haya, que por su carácter de transmisor de conocimientos y estimulador de actitudes.
Entender la docencia como un conjunto de actividades encaminadas a gestionar y procesar información a través de la reflexión, significa que en el caso de la fotografía, sus límites queden solamente impuestos por la imaginación creadora, no por las concepciones estrechas, tecnicistas y virtuosistas que presentan a la fotografía como un acto meramente procedimental. Se intenta presentar el más amplio espectro de posibilidades, de las cuales el creador puede escoger en función de sus intereses particulares. Los resultados necesariamente han de ser distintos, de lo contario, más que formar sería conformar mentes que se establecerían como agentes reproductivos de esquemas aprendidos. Estas ideas son necesarias para entender un conjunto de imágenes fotográficas, cuyo significado está modelado por una actitud investigadora, y por el hecho de presentar un breve recorrido que a través del medio fotográfico es realizado a lo largo del curso por alumnos de la licenciatura de Bellas Artes. Este carácter de la muestra debe guiar al observador, dado que estas imágenes constituyen en sí ejercicios, cuya génesis se establece a partir de unas premisas y objetivos concretos que se enmarcan dentro del programa del curso, de este modo las fotografías seleccionadas, deben ser tenidas en cuenta más que como obra surgida de un proyecto personal establecido, como un propósito de futuro en un trayecto que se inicia.
En la obra de Isabel Flores, cuando se plantea el autorretrato como un proceso de observación y reflexión, encontramos que en la contemplación y la autocontemplación, la autora proclama su propia imagen como una ventana donde pueden confluir lo interior y lo exterior, junto con todos sus reflejos.
Luis González concibe la creación artística como «el conjunto de operaciones que se conducen casi a ciegas hasta lograr un resultado inapelable. En este sentido, la fotografía es un medio idóneo, pues en ausencia de cámara, construyo la imagen aún sin conocerla, respondiendo a estímulos que tienen que ver más con la intuición o la experiencia que con la mera guía de lo observado.»
En los fotogramas de Elena Rodríguez, la imagen es construida a partir del contacto directo con la materia. Es un proceso que, más que verse, es intuido en un juego donde la luz, el tiempo y los objetos son registrados en forma de sombras, ritmos y esencias.
Las creaciones de Alfredo González, en forma de múltiples impulsos vivenciales acumulados en los entresijos de la elaboración técnica de la obra, pretenden abrirse camino como fruto directo tanto de la pura intuición artística como de la investigación metódica de las posibilidades del medio expresivo, en este caso construyendo una reiterada autorreferencia en forma de variantes a través de una presentación formal fragmentada.
Cityscape #39
(Crosssroads)
New York, USA. Intersection of 23 West Street and 10th Avenue
Time as a witness of transits unrelated to each other, of temporary bustles on shared channels. Trails of overlapping lives, traces of crossing pathes without space for destinations.
Bridge #2
(Loaned way)
Queensboro Bridge. New York, USA.
I focused the treatment to encourage a misty atmosphere, which aims to partially dissolve that amazing mass, while I tried to dramatize the scene dying the water in red and the sky in saturated yellow. A road building which credits, with its obvious beauty, a two-way physical
and emotional transit action.
And where do all these ways go
now that we are free?
Leonard Cohen
Alfredo Gonzalez was born in Santa Cruz de Tenerife, Canary Islands (Spain). Early in life he started in drawing and painting. Since then he has participated in workshops, seminars, and conferences about creative procedures, and has been involved in many personal artistic paint, photo, video and film projects that reflect his continuing interest in pictorial art and creative expression with multimedia tools. His artwork has been exhibited in Spain, France, Swiss, Miami and New York. He currently lives and works in San Cristobal de La Laguna, Tenerife (Spain).
Cityscape #38
(Homeless angels)
Madrid, Spain
Angels do not tail,
but let their good works grow ou of them
Mathaniel Hawthorne
Les proponemos un encuentro en la distancia, una abrupta mezcla entre lo puro y lo abigarrado, entre la instantánea y el pictorialismo. Les invitamos a un choque entre técnicas y conceptos que se encuentran en el camino para viajar de la mano.
La obra de estos dos autores es verdaderamente diferente y sin embargo provoca en el espectador una explosión en la retina de fuerza equiparable. La paleta se parece, incluso se confunde. La percepción del detalle extasía también en ambos casos. La reverencia por lo fotografiado, el gusto, la búsqueda de una belleza diferente y genuina...
Y la atmósfera. Ahora caigo en lo que más estaba sin estar del todo. En lo que amalgama las series
de uno y otro sin que pudiera verbalizarlo. La atmósfera. Alfonso y Alfredo muestran algo tan etéreo como el aire. Tan invisible y tan cierto. ¡Y aquí tan presente!
La media distancia marca una narrativa de mirada reposada y serena del que quiere refrenar su impulso ante lo que ve para poder abarcarlo y contenerlo de forma que luego pueda ser degustado de principio a fin sin que echemos nada en falta. Los dos artistas lanzan sus redes sobre el paisaje con la intención de domarlo, aunque luego, inevitablemente, es en la obra en la que habrán conseguido su propósito: la realidad queda atrás, no nos importa.
Y lo curioso es que el proceso de ambos es, al menos aparentemente, totalmente opuesto. Alfonso resuelve su obra al apretar el botón de su cámara, Alfredo la comienza. Repito, aparentemente, porque lo que no sabemos es en qué momento la obra se ha dibujado en la cabeza de ninguno de ellos, y esto último es lo verdaderamente importante.
Cityscape #29
(Parisienne Walkays)
Paris, France
A pair of lamp posts on a Parisian bridge.
A dialogue between dull presence and radiant life.
You were born an original. Don't die a copy
John Mason
LA FOTOGRAFÍA ha adquirido definitivamente un estatuto artístico propio que ha supuesto que no pueda entenderse la evolución y desarrollo del arte contemporáneo sin su presencia. En las últimas décadas hemos asistido a un profundo cambio en el arte y sus manifestaciones, de tal magnitud, que asumir tales mutaciones se ha convertido en tarea arduo complicada para espectadores acostumbrados a contemplar tendencias más accesibles que se sucedían en forma sosegada y tranquila durante amplios periodos de tiempo. Entremezclada con las otras prácticas artísticas, la fotografía —y la asimilación de su uso como tal— sigue aún hoy planteando indecisiones y recelos que representan dentro del corpus artístico general, que sea una de las manifestaciones y expresiones más complejas de entender.
No liberada aun del todo de su mera consideración de técnica al servicio de instrumentalizaciones diversas y a veces vinculada —exclusiva-mente— a tareas documentales, las dificultades de aceptación de la actual práctica fotográfica se vuelven enormes. En todo caso y de lo que no cabe la menor duda es de que el uso de la fotografía ha estado y está presente en la evolución del arte y como ha dicho J. A. Prieto (1) es quizás en los últimos años cuando la fotografía se ha incorporado, no como especulación paralela, sino como materia y entresijo de la propia práctica artística.
Los artistas de esta muestra presentan un abanico de posibilidades, establecen diferentes y distintas disparidades. Los criterios que los reúnen responden precisamente a su propia disparidad, a la misma que nace en cada individuo aunque pertenezcan a una misma escuela, en su caso, la Facultad de Bellas Artes de La Laguna. Cada uno de ellos ha adquirido una forma propia de verse y de ver el mundo que los rodea y lo único que tienen en común es que en esta ocasión han decidido utilizar la imagen fotográfica como soporte expresivo.
En este sentido, lo real y lo irreal en la obra de TERESA AROZENA adquieren una dimensión que sitúa a la fotografía como medio que sirve también para mentir, desarticulando de esta manera todo el complejo proceso que nos lleva a creer en la fotografía como medio objetivo, como medio vinculado —ineludiblemente— a la representación de lo real. Su obra nos sitúa de golpe ante el escenario en el que aceptar que la práctica fotográfica también nos permite representar lo irreal y que, en lógica consecuencia, sirve para transformar el mundo a nuestro antojo.
La Poética de la luz surge en la obra de ELENA DOMÍNGUEZ desde la sencillez de las líneas y desde la ausencia de la pretensión. Amparada en una de las primeras prácticas fotográficas, sus fotogramas permiten de nuevo el diálogo entre los químicos y el pincel en ausencia del aparato fotográfico. Un diálogo ciego que sólo la luz desvelará en medio de la penumbra para revelarnos —tonalmente— los trazos con los que la mano de la autora ha ido dibujando en blanco sobre blanco. Una revisión de los orígenes que en su obra adquiere un nuevo esplendor.
La reivindicación del yo adquiere en la obra de ISABEL FLORES la forma de ensayo indagatorio y especulador para tratar de acercarse a sus contenidos expresivos y a las posibilidades del medio y así, casi como una puesta en escena de ella misma, la autora se interroga a sí misma y al medio buscando los márgenes a delimitar. En la luz encontrará una forma de borrar las líneas y los perfiles. En la manipulación una forma de ocultar los trazos y los contornos, todo ello hasta llegar a la huella y al indicio, algo que en ella parecerá esencial.
La multiplicidad era una de las principales críticas ejercidas por quienes negaban el estatuto artístico a la fotografía. En los trabajos de ALFREDO GONZÁLEZ, la multiplicidad es precisamente el vehículo que otorga tal carácter a su obra, una obra seducida por las nuevas tecnologías que se convierten en la nueva paleta que el autor utilizará para ir creando toda una variedad de imágenes surgidas de sí mismas. La repetición no es aquí reiteración o serialidad, sino re-creación y originalidad, es una espiral sin más fin que el que quiera darle el autor.
El logro de la utopía es hoy un camino que pocos se arriesgan a seguir y no es este el caso de LUIS GONZÁLEZ quien persigue de forma intensa poder aprehender el alma de la creación artística. La manipulación artesanal, el empaque y estructura formal de su obra, en la que —además—se conjugan eclécticamente exterior e interior, superficie y profundidad, otorgan a sus imágenes atributos tradicionalmente propios del lienzo pero que aquí se revelan como propios del medio fotográfico para demos-trar que lo verdaderamente importante reside en el hombre, en el autor.
La ironía subyace en la obra de RosaMari (RoMa) como legado formal postmodernista, de tal suerte que descodificando las señas atribuidas a la obra artística ésta se difumina hasta casi perder sus propios contornos. La autora no se autorrepresenta para interrogarse a sí misma. Se convierte en objeto fotografiado sobre el que recaerá un juego especulativo en donde los significados quedan sujetos a la regla de la banalidad. En torno a tal juego de ironías la obra surge desprovista del aura mágica que se le atribuía para convertirse en algo más cotidiano y más humano.
Todos estos artistas logran poner de manifiesto el frágil límite que tienen hoy las prácticas artísticas. La mayoría de ellos no se entienden como fotógrafos estrictamente y con ello no rechazan nada, simplemente afirman su opción a utilizar cualquier medio expresivo. Sirvan para explicar diáfanamente su posición las palabras de Rosa Olivares (2) cuando dice que el arte ha sido históricamente una de las formas más utilizadas por el hombre para dar forma a aquello que no la tiene. Si la palabra y la literatura en sus diferentes manifestaciones se han especializado en estructurar un complejo entramado de significados y analogías, de metáforas y contraposiciones, las artes plásticas han desarrollado un lenguaje propio, que se diversifica y multiplica hacia el infinito, con el cual siempre se ha buscado una misma imposible finalidad: dar forma al pensamiento.
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(1) Jesús Ángel Prieto, La Image Fràgil. Barcelona, 1994.
(2) Rosa Olivares, Entre la Pasión y el Silencio. Madrid, 1994.
En la disparidad
Francisco González
Texto del catálogo de la exposición colectiva Étudiants de la Faculté des Beaux-Arts de la Laguna.
Galerie des Sacres, Mai de la Photo. Reims, Francia. 1994.
La muestra de fotografías que se nos ofrece aquí constituye el final de una travesía a través de los soportes. Detrás de la cámara fotográfica, integrando ésta en el escenario del cuadro, se erigía una cámara de vídeo, nuevo encuadramiento de la realidad en una ficción más amplia. Al final, aquel primer film llevó a otro, y ambos desembocaron en una trilogía: de la ilusión de las superficies planas se pasaba a la ilusión de profundidad de los espacios abiertos, de la ausencia de texturas en una presentación plana de la imagen a la falsa materialidad del tratamiento infográfico del material de partida. Alfredo González, como director artístico, se involucra en una trilogía ficcional más allá de su papel como pretexto. Intuye, de alguna forma, que el misterio sigue ahí, y prefiere perseguirlo a través del proceso fotográfico. El rodaje es siempre un rito, lo es también en los momentos previos a la toma de cada plano, cuando la tensión mistérica se hace insostenible. Dicho creador consigue sustraerse y, sin saber muy bien cómo ni por qué, deja que el obturador de su cámara capte el instante esclarecedor del rapto místico de los actantes, el punto sin retorno al otro lado del espejo. Y así, reflexión de la reflexión, reencuadre del cuadro que una vez reencuadró el cuadro de un cuadro, el proceso fotográfico que nos propone en esta muestra se permite una nueva vuelta de tuerca. Sabedoras de la carga semántica que llevan consigo, sus imágenes recorren un camino de lenta alquimia, que se inicia en el momento de la toma con la interacción luz-emulsión, continúa en la gran retorta de los líquidos reveladores, perdiendo luego sus atributos analógicos en un proceso de digitalización y recuperándolos por último durante la filmación; ello permite al artista una total reestructuración y mixturización del material de base. Así, de lo plano resulta lo virtualmente matérico, la simplicidad desemboca en barroquismo exacerbado, lo evidente vuelve a cargarse de sentido, las composiciones clásicas se reconvierten en modelos teóricos para armar, la naturalización de las formas en geometría pura. Los modelos, siempre femeninos, nos observan desde el otro lado, encerrados en sus marcos como si el artista quisiera así exorcizarlos, dejarlos en el interior del círculo o elipse, como si temiese, en el fondo, enfrentarse con su evidencia.
Personas y cosas
Josep Vilageliu
Selección oficial en la III Bienal Internacional de Fotografía Fotonoviembre 95. Sala de arte Juan Cas. La Laguna, Tenerife (España). 1995.
Serie Estrategias del Deseo (Personas y Cosas).
Seascape #19 (Shipside)
Oniric reinterpretation of the initial look of a quiet seascape, combining the factors of memory, concept and feeling.
Light breaks where no sun shines;
where no sea runs, the waters of the heart
push in their tides
Dylan Thomas
Ruralscape #20
(Two autumns)
For me going;
for you staying:
two autumns
Masaoka Shiki
Stamp #40
Acrylic and tempera on paper
41 x 29 cm
Stamp #10
Oil on canvas
65 x 54 cm
Stamp #37
Acrylic, oil, resins and barnish on fabric
195 x 130 cm
Stamp #38
Acrylic, oil, barnish and asphalt paint on fabric
160 x 180 cm
Stamp #36
Acrylic, oil, barnish and asphalt paint on fabric
180 x 160 cm
Stamp #30
Acrylic, tint and barnish on paper
70 x 50 cm
Stamp #2
Acrylic, oil and barnishes on fabric
162 x 130 cm
Stamp #4
Acrylic, tint and barnish on paper
70 x 50 cm
Stamp #32
Acrylic, tint and barnish on paper
24.5 x 20 cm
Stamp #1
Acrylic and barnish on paper
30 x 25 cm
Facing face #7
(Drippng souls)
Seascape #16
(Venetian shore)
Almost night on the banks of San Marco Channel in Venice (Italy), after a stunning summer storm with thunders and heavy rain.
Just before sunset, the atmosphere had acquired a beautiful blue tone enhanced by the blue fabrics that covered the boats. The atmosphere emanated some gradual transition to normality after a period of agitation, a reunion with the longed to daily serenity.
Seascape #9
(Bay's dusk)
A rocky shore, a raging sea and a gusting wind are the elements that inspired me to treat this scene like a digital watercolor illustrating a fantastic travelogue, where imagination could play to discover strange boats in the blue shapes that surface between the wet foam.
It dabbed bay's dusk, as I hack
This rumpus of shapes
Dylan Thomas
Ruralscape #1
(Follow my dream)
San Cristobal de La Laguna. Tenerife, Spain.
You wake me up wisely; yet
my dream you don't break, but you follow it.
John Donne
Blue rain
Paris, France
Urban photocapture of a river and a bridge dissolved in the dense, bluish atmosphere of the Parisian summer evening.
Landscape #20
(Winding hill)
San Cristobal de La Laguna. Tenerife, Spain.
When I walked over it, I was impressed by the wavy forms, almost erotic, of this small hill. In the post-processing, I tried to highlight those curves aplying a selective blur to the background. With the subsequent texturing and theatrical lighting, I added a somewhat playful unreality effect, as if it were a model or a landscape built to satisfy our desires, where nature yields to our dreams.
Landscape #12
(Yellow field)
The timeless experience of a whole jporney compressed into a fleeting moment that the chance placed in front of the camera lens. Scene taken from a moving train somewhere between Paris and Reims (North of France).
Nature #10
(Soulbrushers)
Microcosm and macrocosm as mirrors interchangeable with each other.
Cityscape #14
(After rain)
Pamplona, Spain
To scape stormy days, I choose
an everlasting night
John Donne
Altered States of Reality
By Karin Maraney. Writing and Social Media Coordinator, Agora Gallery, New York.
Text of the exhibition catalog Altered States of Reality. An Exhibition of Analog and Digital Fine Art Photography. November 2 - November 23, 2011
Hauntingly romantic and evocatively nostalgic, photographer Alfredo Gonzalez uses digital photography to unique and inspiring ends. Poignant, richly velvet-like textures characterize his photographs, stirring a deeply felt sense of the past, present and future. Gonzalez uses a hybrid of styles, including writing-like scrawls in some works, which allude to the powerful work of the Abstract Expressionist movement. The artist does not subscribe to any specific artistic dogma or practice, however; instead, he constantly experiments with different styles and techniques. Approaching photography from various disciplines, Gonzalez is able to penetrate the exteriors of his subjects with stirring, beautiful empathy. Through these ethereal, poetic works, he voices the ephemeral nature of time. “There only remain the timeless moments that slip between our daily destinations, filtering through our souls, to resurface as breaking memories which do not distinguish between dreams treated as realities or realities treated as dreams,” he says. Born in the Canary Islands, Alfredo Gonzalez has exhibited his works throughout Western Europe.
Inside #2
(Transit)
A metaphor of the vital transit between desire and emptiness.
Fog #3
(Silent words)
The endless cycle of idea and action,
brings knowledge of motion, but not of stillness;
knowledge of speech, but not of silence.
T. S. Eliot.
Jazz #6
Etching
16,5 x 12 cm
Jazz #8
Etching
19,5 x 12 cm
Jazz #11
Etching
25 x 20 cm
Jazz #4
Etching
19,5 x 12 cm
Jazz #7
Etching
16,5 x 12 cm
Jazz #21
(Outdoor)
Drypoint
12 x 8,5 cm
Jazz #23
Woodcut
50 x 40 cm
Jazz #22
(Black moon)
Drypoint
8,5 x 12 cm
Jazz #20
(Singer)
Linoleum
35 x 27 cm
Jazz #10
Etching
25 x 16,5 cm
Jazz #17
Etching
12,5 x 8,5 cm
Nature #12
(Strong wind)
Leaves in the wind.
A metaphor of the coordinated
flowing events in life.
Jazz #3
(Trio)
Etching
19,5 x 12 cm
Jazz #2
Etching
19,5 x 12 cm
Cityscape #17
(Redpolis)
Santa Cruz de Tenerife, Spain
I tried here to break a commonplace scene, often captured in postcards. However, I made sure to maintain the legibility of some urban icons like the Conception Tower, and Santos Gully. I treated the metropolis as a pounding organic mass which retains its heat and dynamic momentum against the bluish calmness of the fragment of the horizon that glimmers in the distance. This work is inspired by the William Turner's masterpiece Rain, Steam and Speed.
Cityscape #19
(Venetian night)
Night view of the Grand Canal from the Ponte dell'Accademia. Venice, Italy.
The amazing, polychromatic play of reflections in the night on the water surface produced by the industrial lighting along the Grand Canal is a scene that William Turner probably would have liked to paint. However, something he shared was the silence that envelops the movement of boats, freed from the bothersome noises of the traffic. My personal view, using oversaturated colors, is a tribute to the fascinating art of Murano glass.
Cityscape #41
(Blue whispers)
San Cristobal de La Laguna, Tenerife, Spain.
My first impression when I saw the city from above and from a sufficient distance, was the feeling of a swarm of organic, fluctuating, indivisible mass of small white pieces, that gently they retreating and becoming blue as night fell, giving way to a cold descending breeze that muffled the distant urban echoes.
Cityscape #22
(Venetian Bridge)
View of the Rialto Bridge from the banks of the Grand Canal. Venice, Italy.
The camera movement and texturing were used here to dissolve the crowds who, at that time, was wandering through the bridge and the adjacent streets, keeping only the essential structures of this famous location. Starting from that, I focused on an impressionistic treatment, highlighting the color and light effects on water, as well as the calmness with which a boat full of tourists was gliding down under the great stone arch.
Cityscape #40
(Shangai dreamline)
The Bund, Shangai (China)
When the desire flows gliding over the form, everything changes trying to catch him: the edges are intertwined, the walls are screens, the water is a mirror and the sky is a map of sighs.
Ruralscape #13
(Hope)
An abandoned cottage giving way to a new cycle of nature.
Frontiers #4
Mental frontiers: the cognitive factors
which underpin all other frontiers.
Ruralscape #19
(The victory of silence)
Some wheat ears undulating alternately and in unison in various directions, dancing frenetically to the pace imposed by the gusting wind. After a while contemplating the scene, it seemed to lose its vegetable identity to become in a crackling and hypnotic dance that flooded my entire being.
If you look long enough at anything
It will become extremely interesting
Delmore Schwartz
Nature #13
(Calling you)
Some small leaves swaying in the wind, unforeseen assuming a choreographic and poetic presence.
On the road #18
(Lights in time)
Speeding up aimlessly,
while the road lines
go through me like ethereal arrows.
And the flashes of the night
get left behind, till fade
like lights in time.
Alfredo Gonzalez
Ruralscape #11
(Rain and dust)
A dusty atmosphere enveloping an old rural road in the middle of nowhere, where the footprints of the walkers are slowly mutating into fleeting memories.